Apocalipsis de Bamberg

El Apocalipsis de Bamberg (Bamberg, Staatsbibliothek, MS A. II. 42) es un manuscrito del siglo XI ricamente ilustrado, que contiene alApocalipsis de Juan y un Leccionario de los Evangelios. Escrito en latín, fue creado en el scriptorium del monasterio benedictino de Reichenauentre los años 1000 y 1020 y está muy relacionado con otros manuscritos de Reichenau, incluidas las Perícopas de Enrique II y los Evangelios de Múnich de Otto III.

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Fue encargado por Otón III del Sacro Imperio Romano. El manuscrito estaba incompleto en el momento en que Otón murió, y Enrique II del Sacro Imperio Romano ordenó que fuera terminado, quien después, con su esposa Cunegunda, lo donaron con ocasión de la consagración de la catedral de Bamberg en 1012 y permanecería allí hasta la secularización de 1083, donde pasó a la Staatlichen Bibliothek de la misma ciudad.

Es el único Apocalipsis ottoniano en manuscrito ampliamente iluminado. El manuscrito tiene 106 folios y está ilustrado con 57 miniaturas y 103letras capitales, algunas de página entera.

En el año 2003, junto con otros manuscritos ottonianos producidos en Reichenau, fue incluido por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) en el Registro Internacional de Memorias del Mundo.

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Stieg Larsson facilitó a la policía pruebas sobre quién asesinó a Olof Palme

ELMUNDO / REUTERS

 

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(Foto de archivo Olof Palme (1984)..)

 

El caso Palme, un crimen no resuelto que aún hoy conmueve a la sociedad sueca, ha dado un nuevo giro. El autor de novelas policiacasStieg Larsson investigó por su cuenta el asesinato y envió a la policía sueca 14 cajas de documentos con indicios que responsabilizan de la muerte de Palme, ocurrida en 1986, a los servicios de inteligencia del régimen racista sudafricano.

Del mismo modo que el magnicidio de JFK en Estados Unidos, la muerte de Palme desató en Suecia un sinfín de teorías de la conspiración: el primer ministro fue abatido de un disparo en la cabeza el 28 de febrero de aquel año cuando volvía del cine con su esposa, sin escolta, caminando tranquilamente por una céntrica calle de Estocolmo. Ahora, en vísperas del aniversario de aquella muerte, el periódico Svenska Dagbladet revela que en autor de la sagaMillenium remitió en vida varias cajas de documentos con los resultados de su investigación. Y que Larsson -fallecido en 2004- atribuía el asesinato a agentes al servicio del régimen racista sudafricano. En concreto, acusó a Bertil Wedin, un oficial retirado del ejército sueco que en los años noventa trabajó, al parecer, como mercenario en los servicios secretos de aquel país.

Palme fue un crítico constante del apartheid en un momento en el que el régimen sudafricano gozaba de cierta tolerancia por parte de muchos gobiernos occidentales. Ayer mismo, sin embargo, el propio Bertil Wedin salió al paso de las acusaciones publicadas por Svenska Dagbladet. «No tengo nada que perder con la verdad. Por suerte para mí, hace mucho tiempo ha quedado claro que no soy un asesino», explicó el ex oficial.

También el adjunto a la Fiscalía General sueca, Kerstin Scarp -responsable máximo de la investigación del caso Palme- le desligó de cualquier sospecha. «[Bertil Wedin] no está sometido, en ningún grado, a la investigación», argumentó Sacrp.

La posible vinculación de este antiguo oficial sueco al servicio del régimen sudafricano ya salió a la luz en los años 90 y fue objeto de una intensa investigación, tanto policial como periodística, sin que llegase a probarse nada contra él.

El fracaso en la investigación sobre el asesinato de Palme supuso un fuerte descrédito para las autoridades y la policía de Suecia. En 1989,un delincuente común fue detenido y acusado formalmente del crimen, pero poco después fue puesto en libertad sin cargos.

El asesinato atrajo a una legión de investigadores profesionales y aficionados, incluido Stieg Larsson. Algunos de ellos, aseguraron haber resuelto el misterio con teorías que van desde un suicidio minuciosamente calculado para aparentar un ataque a las más inverosímiles operaciones de comando de agencia extranjeras. A lo largo de los años, la nómina de acusados va desde las Fuerzas de Seguridad suecas, a agentes al servicio de Yugoslavia, la policía secreta sudafricana o un grupo de separatistas kurdos.

Olof Palme fue primer ministro entre 1969 y 1976 y entre 1982 y 1986. Su liderazgo fue denostado por los conservadores dentro y fuera del país, por sus mensaje anticolonialistas y su crítica constante a la política exterior de Estados Unidos.

Larsson -autor de Los hombres que no amaban a las mujeres, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el palacio de las corrientes de aire- falleció de un ataque al corazón en 2004. Su trilogía ha venido 75 millones de ejemplares de 50 países

El alma que sufrió de ser cuerpo

Por Mario Goloboff *

El camino amoroso del gran poeta peruano y universal César Vallejo fue precoz, denso, accidentado. Y a través de las mujeres que, se dice, inspiraron los motivos de sus más conocidos libros de poemas, en especial Los heraldos negros y Trilce, una fuente innumerable de atribuciones, opiniones encontradas, desmentidas y disputas que han durado casi un siglo.

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En los comienzos, hay tres mujeres reales: dos de Trujillo y una de Lima. Y una más, probadamente ficticia: la Rita de “Idilio muerto” (“Qué estará haciendo esta hora/ mi andina y dulce Rita de junco y capulí;/ ahora que me asfixia Bizancio, y que dormita/ la sangre, como flojo cognac, dentro de mí…”). La primera, de Trujillo, María Rosa Sandóval (“el amor juvenil que entristeció a Vallejo”, “la musa trágica de Vallejo”), joven y cultivada lectora de la ciudad de Ascope, hermana del poeta Francisco Xandóval, a la que conoció en 1916 y murió dos años más tarde en un pueblito de la sierra de Otuzco, víctima muy posiblemente de la tuberculosis, cuando sólo tenía 24 años. Los amigos del grupo político y cultural de Vallejo, al que llamaban “Norte”, Atenor Orrego, Alcides Spelucín, Víctor Raúl Haya de la Torre, la apodaban María Bashkirtseff porque, como la célebre princesa rusa (1860-1884), en cuya cantera abrevó nuestro Aníbal Ponce para discurrir sobre “la ambición y angustia de los adolescentes”, llevaba un caudaloso Diario íntimo de su vida. Extrañísimo, por otra parte, es el testimonio de quien fue el heredero de la biblioteca de su hermano, ascopeño como todos ellos, e íntimo de la familia: “María murió enferma de tisis y la familia, por temor al contagio, quemó sus pertenencias. Sin embargo, llegaron a salvarse pocas páginas de su diario, en las que, desgraciadamente, no hay nada sobre su relación con Vallejo”, narra Teodoro Rivero Ayllón. El amor y la tristeza de Vallejo por María Rosa, según aquél, se extienden a otro poema que aparece en Los heraldos negros, “Los dados eternos”, poema de “emoción bravía y selecta” que Manuel González Prada celebrara vivamente al autor: “¡Dios mío! ¡Estoy llorando el ser que vivo!/ ¡me pesa haber tomádote tu pan!/ Pero este pobre barro pensativo/ No es costra fermentada en tu costado/ ¡tú no tienes Marías que se van!” Uno de los numerosos biógrafos del poeta, Juan Espejo Asturrizaga, dedica algunas líneas a María Rosa: “Una muchacha atractiva y de muchas simpatías. Poseedora de un espíritu fino y cultivado. Amante de la poesía y curiosa e interesada por toda clase de actividades artísticas”. Y agrega: “De todas las chicas que interesaron a Vallejo durante su etapa de estudiante en Trujillo, fue ésta la más inteligente, la más comprensiva de su alto espíritu”. De allí el triste y límpido poema “Verano”: “Verano, ya me voy. Y me dan pena/ las manitas sumisas de tus tardes./ Llegas devotamente; llegas viejo;/ y ya no encontrarás en mi alma a nadie…” (Los heraldos negros).

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Luego, César Vallejo conoce a “Mirtho” (así la llama él), Zoila Rosa Cuadra, una muchacha de quince años con la que sostiene un apasionado y corto romance, quebrado bruscamente. Entre sus amigos se habla de un poco creíble intento de suicidio a causa de este desengaño: a Zoila Rosa Cuadra, por quien –dice Asturrizaga– rastrilló una Smith Wesson en su sien derecha, le dedicó “Setiembre” (Los heraldos negros): “Aquella noche de setiembre, fuiste/ tan buena para mí…hasta dolerme!/ Yo no sé lo demás; y para eso/ no debiste ser buena, no debiste…”. A lo que podría sumarse, como hacen algunos críticos peruanos, todavía otra, con un estatuto desconcertante: una mujer abstracta, que nunca tiene nombre en Trilce, pero que, según esos críticos, era Otilia Villanueva Pajares, “la novia del poeta en Lima”, “la musa esquiva de Trilce”, sobre la cual hay mucho hablado pero muy poca prueba documental.

Creo, por el contrario, que en Trilce, posterior al primer libro en pocos años, podrá verse más claramente (más estremecedoramente) cuál es la imagen de mujer que con denuedo persigue Vallejo a través de su lenguaje poético. Este poemario constituye un momento privilegiado de ruptura en la historia de nuestra poesía latinoamericana: ni la página en blanco, ni el espacio vacante, ni el dibujo, ni el delineamiento tipográfico, ni la palabra, ni el ejercicio mismo de la actividad poética tendrán igual valor después. El nuevo orden lingüístico-lógico que esta poesía propone tiene la facultad de congregar todos los tiempos en una dimensión desconocida, donde el aparente desorden hace ganar más horizontes significativos: “El traje que vestí mañana/ no lo ha lavado mi lavandera…”, y entonces el personaje femenino convocado acude finalmente: “dichosa/ de probar que sí sabe, que sí puede/ COMO NO VA A PODER!/ azular y planchar todos los caos…” (Poema VI). Se trata, así, de desandar lo cronológico para poder juntar “dos badajos inacordes de tiempo/ en una misma campana…” (XXXIII). Las remembranzas son por eso abundantes: en el poema III, una añoranza de infancia, de la familia y del terruño nativo, la pregunta por “las personas mayores” que queda sin respuesta, y el juego de los niños. El mismo motivo parece repetirse en XV: “En esta noche pluviosa,/ ya lejos de ambos dos, salto de pronto…”. Y especialmente: “Son dos puertas abriéndose, cerrándose,/ dos puertas que al viento van y vienen/ sombra a sombra”. Los contornos del paraíso perdido comienzan pues a presentirse: “Tahona estuosa de aquellos mis bizcochos/ pura yema infantil innumerable, madre…” (XXIII). Y, sobre todo, aquel poema en el que parece señalarse que la relación con la amada poetizada, con la “amorosa”, es, idealmente, más que la de otra mujer cualquiera, la de la gran generadora, hasta por los signos gráficos usados: “Vusco volvvver de golpe el golpe./ Sus dos hojas anchas, su válvula/ que se abre en suculenta recepción/ de multiplicando a multiplicador,/ su condición excelente para el placer,/ todo avía verdad” (IX). Del mismo modo que el XVIII: “Amorosa llavera de innumerables llaves,/ si estuvieras aquí, si vieras hasta/ qué hora son cuatro estas paredes./ Contra ellas seríamos contigo, los dos,/ más dos que nunca…”.

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Se comprenden así los conceptos de aquel visionario que fue José Carlos Mariátegui, cuando, en sus Siete ensayos de interpretación de la realidad peruana, dijo de Vallejo: “La creación en él es, al mismo tiempo, inefablemente dolorosa y exultante. Este artista no aspira sino a expresarse pura e inocentemente. Se despoja por eso, de todo ornamento retórico, se desviste de toda vanidad literaria, llega a la más austera, a la más humilde, a la más orgullosa sencillez en la forma, es un místico de la pobreza que se descalza para que sus pies conozcan desnudos la dureza y la crueldad de su camino”.

En el complejísimo mito topo-erótico-poético de César Vallejo, la gran amada será después España, a cuya causa consagrará los últimos esfuerzos personales de un cuerpo maltrecho y los últimos poemas de su vida.

* Escritor, docente universitario.

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EL GRABADO, ESE MUNDO MARAVILLOSO

El aguafuerte, el aguatinta, el grabado al azúcar, el barniz blando, el gofrado, la manera negra o mezzo-tinta, la punta seca, la litografía, la linografía, la xilografía, la monotipia, etc., son técnicas propias del grabado calcográfico, que consisten en dibujar, con instrumentos punzantes o mediante procesos químicos, una imagen sobre una superficie llamada matriz, que suele ser de metal, aunque también se usan otros materiales como la piedra, la madera, etc… sobre cuya huella se alojará la tinta que, posteriormente, será transferida sobre papel u otro material para obtener una estampa

Imagen(Alberto Durero – Manos que oran – 1508)

 

Fueron los Sumerios en Mesopotamia, hace 3000 años, la primera civilización, de la que se tiene constancia, que producía originales múltiples tallando dibujos sobre piedras cilíndricas que, posteriormente, rodaban sobre arcilla blanda, dejando de esta forma la impresión sobre la arcilla. Estas piedra cilíndricas crean el concepto del rodillo, lo que hoy se conoce como prensa de impresión. 
 
El grabado fue el medio de expresión gráfica que se utilizó para ilustrar textos antiguos desde los incunables del siglo quince hasta que se inventó, en el siglo diecinueve, la fotografía.
 
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(Rembrandt – Autorretrato – 1630)
No hace falta decir que, entre los grandes artistas, hay tres que destacan por lo maravilloso de sus obras, entre ellas las de grabado: Albrecht Dürer, conocido en España como Alberto Durero, considerado el artista más famoso del Renacimiento alemán; el holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn, uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado y, posteriormente, otro gran maestro, Francisco de Goya y Lucientes, quién revoluciona el grabado con sus aguatintas e inicia el grabado contemporáneo con Los caprichos, en los que utilizó el aguafuerte y el aguatinta con toques de bruñidor, buril y punta seca, siendo la primera realización de una serie de 80 estampas de carácter satírico, cuya venta se anunció en la Gaceta de Madrid en febrero de 1799 como “Colección de estampas de asuntos caprichosos, inventadas y grabadas al aguafuerte por don Francisco de Goya”.

 

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(Goya – Si amanece nos vamos – 1797-1799)

Artistas como Henri Matisse, Delacroix, Manet, Degas, Chagal, Pablo Picasso, Joan Miró, Antoni Tapies, Salvador Dalí o Juan Gris, entre otros muchos, están presentes en las mejores muestras internacionales de grabado, en importantes colecciones y en museos de todo el mundo. Y es que sería muy difícil encontrar artistas famosos que no hayan realizado edición de obra gráfica, porque el grabado, en todas sus expresiones, está siempre dentro de un mundo maravilloso.

 

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Scorsese y literatura: pasión de cine

La pasión del director neoyorquino por la literatura se remonta a hace medio siglo

Hoy, 13 de sus 24 películas son adaptaciones literarias entre las que están sus principales éxitos

Desde ‘Toro salvaje’, pasando por ‘La edad de la inocencia’ y ‘Uno de los nuestros’, hasta ‘El lobo de Wall Street’, con 5 candidaturas este año

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(Martin Scorsese da instrucciones a Margot Robbie y a Leonardo DiCaprio en el rodaje de ‘El lobo de Wall Street’, basada en la autobiografía de Jordan Belfort.)

 

Lo ha vuelto a hacer. No lo puede evitar. Martin Scorsese sabe que la mejor pareja para su pasión cinematográfica es la literatura. Un romance literario que el director ha confirmado en 13 de sus 24 películas. Y ellas son las que han asegurado su nombre en la historia del cine, desdeToro Salvaje, pasando por Uno de los nuestros, hasta El lobo de Wall Street, por la que ha obtenido cinco candidaturas este año. Solo dos clásicos suyos no están basados en libros: Malas calles y Taxi driver.

Scorsese (Nueva York, 1942) siempre ha sido un gran lector. De esos que a medida que leen el libro crean un mundo en su cabeza bajo sus propias coordenadas. El lugar donde se suele quedar en la gran mayoría de las personas. Salvo en los artistas si recurren a ellos como fuentes de inspiración. Es el caso del director neoyorquino que al trasladar dichas obras al cine lo que adapta es otra obra, la suya, la de Scorsese, con tal fuerza de voz que eclipsa la del autor original del libro. Aunque hay otra excepción: La edad de la inocencia, de Edith Wharton.

Un paneo por esa relación literatura y cine muestra lo mejor de Scorsese: Toro salvaje (1980), El color del dinero (1986), La última tentación de Cristo (1988), Uno de los nuestros (1990), El cabo del miedo (1991), La edad de la inocencia (1993), Casino (1995), Al límite(1999), Gangs of New York (2002), El aviador (2004), Shutter Island(2010), La invención de Hugo (2011) y El lobo de Wall Street (2013). Incluso Infiltrados, que no es un libro, podría encajar aquí al ser unremake basado en otro guion.

Ese romance de Scorsese con la literatura ha cumplido medio siglo. Se remonta a 1963 cuando el joven Martin lee el primer libro de los que habría de llevar al cine, aunque no fuera su primera adaptación cinematográfica. Se trata de La última tentación de Cristo, de Nikos Kazantzákis, que llevaría a las pantallas 25 años después. Es una deuda que tiene con los jesuitas porque al ser rechazado por su universidad él se va a la de Nueva York a estudiar Literatura Inglesa, de donde pasa a los estudios cinematográficos de la misma.

Pero es en 1976 cuando cae en sus manos la primera obra que llevaría al cine: Raging Bull. My Story: la autobiografía del ex campeón de boxeo Jake La Motta. Aunque pocos se acuerdan de ella, sí saben de la existencia de Toro salvaje –con De Niro y guion de Paul Schrader y Mardik Martin. En aquellos días le regalan La edad de la inocencia, que guarda casi sin abrir, predestinada a ser su más fiel adaptación sobre la novela de Edith Wharton. Por entonces también intenta adaptar La última tentación de Cristo pero el proyecto termina en una gaveta por orden de la productora.

Su siguiente encuentro con la literatura es en 1984 cuando Paul Newman lo invita a dirigir El color del dinero, novela de Walter Tevis. Tras dudar, por tratarse de una continuación de El buscavidas,protagonizada en 1961 por el mismo Newman, acepta y en 1986 estrena el filme. Dos años después logra hacer realidad la versión de La última tentación de Cristo, lo que genera una gran polémica al contar la historia de un Jesús enamorado de la virgen María.

En medio de ese ruido llega a sus manos Wise Guy, de Nick Pileggi, destinada a llamarse en el cine Goodfellas o Uno de los nuestros en español, considerada una de sus cimas. Es el reencuentro con dos de sus debilidades: la mafia y Nueva York. Y la tentación de adaptar el libro es casi inmediata. Con el autor hacen hasta 10 versiones cuyo resultado final se estrena en 1990. Es la historia sobre la vida de un mafioso que no es ni pez gordo, ni muy malo después de todo, al que da vida Ray Liotta, junto a De Niro y Joe Pesci.

Dos años más tarde estrena un encargo y lo más comercial en su carrera: El cabo del miedo. Un remake de J. Lee Thompson (1962), basado en el thriller The Executioners, de John D. MacDonald. Al principio dudó, pero el entusiasmo de De Niro por el ex presidiario vengativo que acosa a la familia de su abogado lo contagia.

La edad de la inocencia es su película más literaria y de las más violentas, según ha afirmado el cineasta, al describir una clase alta neoyorquina de entre los siglos XIX y XX, con asesinos exquisitos que no se manchan un guante pero exterminan psicológicamente a quien osa alterar la armonía familiar.

Más entusiasmo pone en su siguiente filme. En 1993 hace realidad un sueño: una historia romántica con La edad de la inocencia, Premio Pulitzer en 1921 para Wharton. Aunque es su película más literaria es también la más violenta, según ha afirmado el cineasta, al describir una clase alta neoyorquina de entre los siglos XIX y XX, con asesinos exquisitos que no se manchan un guante pero exterminan psicológicamente a quien osa alterar la armonía familiar.

En 1995 regresa al mundo de la mafia, esta vez en Las Vegas. Adapta Casino, de Pileggi, con De Niro de nuevo en el papel estelar. En 1999 crea otra pieza para su fresco neoyorquino:Al límite, basada en Bringing Out the Dead, de J. Connelly, con guion de Schrader y la actuación de Nicolas Cage.

Ya en el siglo XXI su entrega a la literatura será total, entre relatos y biografías. En 2003 realiza uno de sus proyectos más ambiciosos:Gangs of New York, un reportaje de Herbert Asbury de 1927. Después de tres décadas de imaginarlo hace realidad su viaje en el tiempo en busca de las raíces de la violencia de su ciudad y de la corrupción en calles y estamentos públicos. Le dio los papeles estelares a Daniel Day-Lewis y Leonardo DiCaprio.

La vida de Howard Hughes la adapta como El aviador en 2004. Seis años más tarde estrena Shutter Island, novela homónima de Dennis Lehane, para adentrarse en los laberintos de la mente y la locura y jugar con el espectador; en 2010 no se resiste a la novela gráfica de Brian Selznick y adapta La invención de Hugo y viaja a los orígenes del cine, y en 2013 estrena la autobiografía de Jordan Belfort: El lobo de Wall Street. 

Son películas tiene una voz propia, como en la mejor literatura. La estructura suele estar basada en un narrador, alguien cuenta, en primera o tercera persona o de manera omnisciente. Incluso recurre a la técnica literaria, luego usada en el cine, en la cual el narrador o algún personaje del relato se dirige al lector-espectador, y lo involucra en la historia. Busca su complicidad como en los mejores relatos. El último es Jordan Belfort (DiCaprio) y su vida vertiginosa, enmarañada y desbarrancada en la ilegalidad y la corrupción que Martin Scorsese ha recreado al ritmo de los tiempos narrados, escritos, en una montaña rusa, de la primera a la última página; ¡perdón!, del primero al último minuto.

(Joe PEsci, Ray Liotta y Robert de Niro, en ‘Uno de los nuestros’)

 

 

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Los pilares del bosque de piedra de Lena en Rusia

En el Extremo Oriente de Rusia situado a tan sólo 300 Km del círculo polar ártico, la Siberia más dura y fría esconde en un paraje remoto una formación rocosa de abrumadora belleza que el río Lena ha ido esculpiendo a lo largo de miles de años hasta conformar un paisaje único que deja boquiabiertos a los osados visitantes que se atreven a acercarse: los Pilares de Lena.

Este bosque de piedra, compuesto por Columnas de Roca Caliza que alcanzan los 150 metros de altura, se extiende 80 Kilómetros a los pies del río Lena se encuentra en la remota región siberiana deYakutsk y pasear por este espectáculo único de la naturaleza está reservado sólo para unos pocos. Se trata de un paisaje Kárstico, erosionado por miles de años, y con una riqueza geológica que guarda evidencia de formas de vida desaparecidas. En el lugar del bosque de piedra de Lena se han encontrado fósiles de mamut, y otros eslabones perdidos desde tiempos del Cámbrico. Pero además perduran infinidad de formas de vida con 464 especies catalogadas de plantas y fauna abundante.

 

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Los pilares se agrupan y extienden por decenas de kilómetros, a lo largo de las orillas del río y para llegar hasta ellos, desde Moscú, se necesitan nada menos que cuatro días de viaje. También es considerada como una de las localidades más frías del mundo. No es extraño si tenemos en cuenta que durante el invierno registra unas temperaturas medias de -40 ºC. En los meses estivales, cuando sus aguas no están heladas, el trayecto se puede realizar en barca. El resto del año, en trineos tirados por perros.

 

 

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Leones del Serengeti

La gran sabana del Parque Nacional del Serengeti en Tanzania es el hogar de más de 3.500 leones, posiblemente la mayor población del mundo. Un lugar que el fotógrafo Michael Nichols conoce conoce muy bien tras multitud de viajes en los últimos años y un especial proyecto fotográfico que realizó para National Geographic.

Tras tomar más de 242.000 imágenes acompañadas de 200 horas de vídeo, podemos disfrutar del lado más íntimo de estos felinos:

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El despertar

Autora: Alejandra Pizarnik

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                        A León Ostrov

Señor
La jaula se ha vuelto pájaro
y se ha volado
y mi corazón está loco
porque aúlla a la muerte
y sonríe detrás del viento
a mis delirios

Qué haré con el miedo
Qué haré con el miedo

Ya no baila la luz en mi sonrisa
ni las estaciones queman palomas en mis ideas
Mis manos se han desnudado
y se han ido donde la muerte
enseña a vivir a los muertos

Señor
El aire me castiga el ser
Detrás del aire hay monstruos
que beben de mi sangre

Es el desastre
Es la hora del vacío no vacío
Es el instante de poner cerrojo a los labios
oír a los condenados gritar
contemplar a cada uno de mis nombres
ahorcados en la nada.

Señor 
Tengo veinte años
También mis ojos tienen veinte años
y sin embargo no dicen nada

Señor
He consumado mi vida en un instante
La última inocencia estalló
Ahora es nunca o jamás
o simplemente fue

¿Cómo no me suicido frente a un espejo
y desaparezco para reaparecer en el mar
donde un gran barco me esperaría
con las luces encendidas?

¿Cómo no me extraigo las venas
y hago con ellas una escala
para huir al otro lado de la noche?

El principio ha dado a luz el final
Todo continuará igual
Las sonrisas gastadas
El interés interesado
Las preguntas de piedra en piedra
Las gesticulaciones que remedan amor
Todo continuará igual

Pero mis brazos insisten en abrazar al mundo
porque aún no les enseñaron
que ya es demasiado tarde

Señor
Arroja los féretros de mi sangre

Recuerdo mi niñez
cuando yo era una anciana
Las flores morían en mis manos
porque la danza salvaje de la alegría
les destruía el corazón

Recuerdo las negras mañanas de sol
cuando era niña
es decir ayer
es decir hace siglos

Señor
La jaula se ha vuelto pájaro
y ha devorado mis esperanzas

Señor
La jaula se ha vuelto pájaro
Qué haré con el miedo

De “Las aventuras perdidas” 1958 

 

Del árbol de los tiempos nos hemos desprendido…

Autor: Félix Grande

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Del árbol de los tiempos nos hemos desprendido
bajo todo un sistema de galaxias de años;
y ahora estamos mirándonos y nos vemos extraños
igual que dos océanos que se hubieran unido; 

hemos viajado tanto, es tan hondo el misterio 
de coincidir, y amarse, desde vías tan remotas; 
aún estamos buscándonos en el tiempo: dos motas 
de polvo de ciprés tanteando un cementerio; 

nos estamos mirando como dos aves pobres,
lastimados de vuelo, lastimados de espacio,
lastimados del tiempo que nos ha estado viendo; 

nos estamos mirando lo mismo que dos sobres 
cerrados el uno frente al otro que, despacio, 
se van abriendo, se van abriendo, se van abriendo.

‘Se nos fue el padre, el hermano, el tío, el amigo y se nos fue el genio’

“Miércoles 26 de febrero de 2014… el dolor ya tiene fecha para nuestra familia. Anoche se nos fue el padre, el hermano, el tío, el amigo y se nos fue el genio Paco de Lucía. No hay consuelo para los que le queremos y le conocemos pero sabemos que para los que le quieren sin conocerle tampoco. Por eso, queremos compartir con todos ustedes un abrazo y una lágrima pero también nuestra convicción de que Paco vivió como quiso y murió jugando con sus hijos al lado del mar. La vida nos lo prestó unos maravillosos años en los que llenó este mundo de belleza y ahora se lo lleva… Gracias por tanto… y buen viaje amado nuestro.”

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Son las palabras que horas después de que se conociera el fallecimiento del guitarrista Paco de Lucía escribía su familia. La muerte de esta leyenda del flamenco ha conmocionado al mundo de la cultural, donde las reacciones y las muestras de cariño no han parado durante todo el día.

José Mercé, uno de los cantaores más representativos del flamenco actual, ha lamentado su muerte, un “monstruo de la guitarra”, que, según ha afirmado, no tendrá otra figura similar “en los próximos 200 años”. Mercé, amigo del guitarrista, quiere que se recuerde al maestro como el “más grande de la historia del flamenco”, pero también como “una persona humilde y sencilla” que, junto a Camarón de la Isla, ha sido “el padre del flamenco”.

“Más que ha hecho Paco por el flamenco no lo ha hecho nadie”, ha destacado Mercé.

El crítico y productor Enrique Montiel, biógrafo de Camarón de la Isla, con el que Paco tuvo una gran amistad, ha explicado que ha sido una figura “gigantesca” que marcó “un antes y un después” en el flamenco y que, con su “virtuosismo absoluto”, traspasó “la barrera del sonido”.

“Es imposible sobreponerse a la impresión de la noticia de su muerte, un mazazo totalmente inesperado“, ha señalado Enrique Montiel, que señala que el guitarrista ha debido sufrir “una traición del corazón imprevisible”, porque era “un deportista total, muy fuerte”.

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Montiel, biógrafo de Camarón de la Isla, ha recordado la leyenda que ambos crearon y con la que “construyeron el flamenco contemporáneo”.

“Fueron dos chicos jóvenes que se encontraron y se enamoraron. Eran dos músicos con los papeles cambiados, porque a Camarón le encantaba la guitarra y a Paco el cante. Tuvieron una relación personal extraordinaria en una época extraordinaria. Vivieron en una burbuja de creatividad y buen rollo”, ha explicado.

El diestro sevillano Curro Romero ha mostrado su sorpresa y consternación por el fallecimiento del guitarrista Paco de Lucía, que cree que “deja un vacío muy grande”, y ha enviado un mensaje de pésame a la familia del creador algecireño, al que le unía una larga y estrecha amistad.

“Qué horror, no me lo puedo creer”, han sido las primeras palabras del diestro de Camas, visiblemente apenado, en las que ha recordado los años compartidos junto al músico desaparecido, cuando compartieron sus vidas en la época de Camarón, “antes incluso de que fueran artistas consagrados”, y ha evocado “aquella vida buena, las fiestas, los bonitos momentos vividos” y su amistad.

Japón llora al guitarrista

Por su parte, importantes figuras del flamenco en Japón han coincidido en lamentar la muerte de Paco. La veterana bailaora Yoko Komatsubara pionera y responsable de introducir la enseñanza del flamenco en Japón, se ha mostrado sorprendida y triste por la noticia y ha destacado la gran influencia que el músico gaditano ha tenido en todos los flamencos.

“He tenido una relación estrecha con él. Era un gran guitarrista y un artista innovador. La música de Paco mejoraba el baile de todos“, explicó a Efe la bailaora y maestra de muchas generaciones de japoneses.

El director de la influyente revista nipona Paseo, Yuji Koyama, reconoció estar en “estado de ‘shock'” y calificó al guitarrista como un “Dios del flamenco” que ha tenido mucha influencia en Japón.

“Si no fuera por Paco de Lucía, no existiría esta revista ni la gran pasión por el flamenco que hay en Japón, donde se calcula que hay unos 100.000 aficionados”, destacó el director de la única publicación mensual del mundo especializada en flamenco.

Un virtuoso de la guitarra

El mundo de la política también ha mostrado sus condolencias. El ministro de Educación y Cultura, José Ignacio Wert, ha trasladado a la viuda de Paco de Lucia el “pésame” del Gobierno y ha destacado su “virtuosismo” con la guitarra, la originalidad y la innovación que el artista y guitarrista de Algeciras, Paco de Lucía, ha brindado al flamenco español.

En declaraciones a los medios en el Congreso de los Diputados, coincidiendo con la celebración del Debate del Estado de la Nación, Wert ha destacado el “inesperado” y “prematuro” fallecimiento de Paco de Lucía, a los 66 años de edad en México, mientras se encontraba con su familia.

“Lo lamento muchísimo. Era un hombre muy nuestro, muy de la cultura española. Ocupará siempre un gran espacio en la música y, desde luego, en la cultura de España”, ha afirmado.

Los Reyes y los Príncipes de Asturias, por su parte, han enviado sendos telegramas con sus muestras de condolencia por el fallecimiento del guitarrista Paco de Lucía, según han informado fuentes de la Casa Real.

La portavoz del PSOE en el Congreso de los Diputados, Soraya Rodríguez, ha asegurado que Paco de Lucía “ocupará siempre un gran espacio” en la cultura española. En los pasillos del Congreso, Rodríguez aseguró que el compositor e intérprete fallecido era un “hombre fundamental en la cultura española” por la difusión que hizo de algo “tan nuestro” como el flamenco.

El mundo de la música también ha querido rendir homenaje por Twitter al guitarrista. Antonio Orozco (@antoniorozco) asegura que “muerto Paco de Lucía lloran las guitarras” y David Bustamante(@David_Busta) precisa que “se fue uno de los artistas más grandes del país”. “DEP #PacoDeLucia Gracias por tu legado”, dice su mensaje.

Por su parte, Manu Tenorio (@manu_tenorio) añade que “se ha ido un genio” que “deja una obra inconmensurable”. Para Tenorio, “parte de los sueños del flamenco se van con él”. También Chenoa(@Chenoaoficial) le ha dedicado un tuit: “#pacodelucia un genio nos ha dejado. DEP. Mis condolencias a la familia y todo mi cariño”.

Asimismo, Jose Manuel Soto (@JOSEMANUELSOTO) expresa su “enorme tristeza” por la muerte de #PacodeLucía, a su juicio, “el más grande”, cuya música “nunca morirá, nunca”. El músico Pancho Varona (@Panchovarona) le recuerda como “el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos”. “Nos deja huérfanos”, asegura.

El mundo del cine también se hace eco de la noticia, como en el caso de Alex de la Iglesia (@alexdelaIglesia), y hasta se puede encontrar un poema del cantautor y actor Pablo Carbonell(@Carbonellsg): “Que no se entere la guitarra de que quien les sacaba el alma ha desplegado sus alas. Pobres nosotros, pobre guitarra. Adiós Paco de Lucía”.

 

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